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    5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par John Thomas

5 Clés pour le classique virtuel
(Ces cinq clés sont très liées les unes aux autres,
c'est finalement presque une seule et même chose déclinée en cinq points)



1. ORCHESTRATION : C'est basique me direz-vous, certes mais c'est essentiel ! Vous devez d'abord connaître et comprendre l'intérêt et les particularités des différentes sections que l'on trouve dans un orchestre – cordes, cuivres, bois et percussions – afin d'avoir une première approche réaliste de votre musique, de faire les bons mariages, de bien placer vos instruments et de faire respirer votre orchestre. Il est, par exemple, peu intéressant d'accompagner la mélodie de mes premiers violons par la même mélodie jouée par un tuba, on préférera plutôt l'accompagner par le pupitre des Cors Français une octave en dessous, entre autres, cela dépend du contexte et cela reste plus ou moins subjectif. Évitez les gros accords à 5 ou 6 notes d'un seul et même instrument (sauf si c'est maîtrisé et dans un contexte particulier), c'est là que tout se joue ; la beauté de l'ensemble, son harmonie.


2. HARMONIE : Que se soient avec les cordes, les cuivres ou les bois, la règle est la même. Lorsque vous créez un accord, une ou deux notes maximum sont nécessaires pour les basses, les deux notes doivent être espacées d'une quinte (par exemple : 3 touches blanches libres entre les deux notes sur votre clavier). Pour les instruments qui se situent plus au milieu du champs des fréquences comme les Trombones et les Cors (Altos – Clarinettes etc...) je recommande la même chose à la différence près que l'on va chercher la tonique dans un instrument qui rendra l'accord harmonieux et chaud. Une fois votre accord bien harmonisé vous pouvez ajouter à ces samples d'ensemble symphonique (ex : CineSamples, AudioBro, 8Dio etc...) une touche de solo avec un Tuba de chez Sample Modeling, plus proche, qui a pour effet particulier d'arrondir d'avantage l'accord et de lui donner un aspect plus réaliste. Cependant...


3. PANING ET PROFONDEUR : ...il faut faire attention à ce qu'aucun instrument ne soit excessivement présent, certains le sont naturellement plus que d'autre mais chacun d'entre eux intervient dans le but de mettre en valeur l'autre, on peut y voir une approche philosophique. Les instruments virtuels de qualité sont en général déjà calibrés pour répondre à leur emplacement réel dans l'environnement virtuel de votre casque, mais il vous faudra faire d'avantage de paning car n'oublions pas que cela reste virtuel et que l'on se retrouve vite avec un gros brouillon d'instruments qui ne se respectent plus, ne s'écoutent plus. Il n'est pas obligatoire de respecter exactement l'emplacement réel de tous les instruments, le seul et unique but ici étant de faire respirer l'ensemble de façon harmonieuse et équilibrée, on peut donc faire quelques choix personnels de placement.
L'erreur basique que l'on rencontre souvent dans les compositions amateurs est celle qui consiste à surenchérir le volume d'instrument en instrument, «j'ajoute une percu, on ne l'entend pas bien alors je met plus fort». Ça n'arrangera rien à l'ensemble de votre composition, au contraire... revoyez plutôt votre mix. La profondeur virtuelle n'est pas évidente à cerner, et encore moins les méthodes pour l'appliquer. Il existe un VST qui peut vous aider en partie à accomplir cette tâche – Virtual Sound Stage – et qui vous permettra de placer votre orchestre dans un espace virtuel plutôt bien reproduit avec choix des environnements etc... Choisissez une salle, baissez totalement la résonance et ajoutez à votre piste une réverbe à convolution (de préférence), personnellement j'utilise Quantum Leap Spaces. Ensuite jouez avec le «Wet» (résonance/profondeur) et le «Dry» (proximité) selon la profondeur désirée et l'instrument en question.


4. FREQUENCES : C'est encore là un point essentiel très peu abordé, mais nos instruments virtuels saturent vite le champs des fréquences et provoque des pertes en qualité et en finesse d'éxécution, ce qui donne par la même occasion une impression de proximité excessive en comparaison avec un orchestre réel. Dans la plupart des cas, pour ne pas dire dans chacun de vos mixes, il vous faudra réduire considérablement certaines fréquences. Sur les instruments de basses on touchera peu aux basses fréquences (sauf en cas d’artefacts désagréables et de basses excessives par moment), on pourra éventuellement baisser des hautes fréquences et des mids. Là ou votre Equalizer va vraiment travailler c'est au niveau des instruments qui se situent un peu plus au dessus dans le champs de fréquence – Trombones, Cors, Violons, Altos et Violoncelles, mais aussi les trompettes. On n'augmentera en aucun cas les fréquences, il s'agit ici de les baisser sur certains instruments dans le but de laisser de la place aux autres dans le champ des fréquences. A de rares exceptions vous devrez augmenter les hautes fréquences. Par exemple : personnellement je fais très souvent du layering (superposition) d'instruments. Partons sur une partie spiccato où violons, altos et violoncelles sont déjà bien mixés et placés mais il manque un petit quelque chose et ils me paraissent aussi manquer de punchy. Je vais y ajouter un violon plus mordant et dont la vélocité des notes sera au maximum mais le gain faible, je pourrai à ce moment élever les hautes fréquences et le tout sonnera encore plus «orchestre réel».


5. METHODES : Quelles méthodes efficaces pour obtenir un rendu fluide et rond mais précis et punchy ? Pour la rondeur et le sentiment de puissance que doit véhiculer un ensemble dans un accord il ne faut pas hésiter à torturer modulation, expression et parfois piste d'automatisation du volume (attention cependant avec ce paramètre), à faire de la superposition entre Tuba d'ensemble et Tuba solo, mais aussi avec d'autres instruments. Compenser les défauts d'un instrument par les qualités d'un autre (toujours en superposition). Les longues notes (legatos et sostenutos) ont cette fâcheuse tendance à produire des artefacts étranges lors des montées et descentes en puissance, c'est là qu'interviennent le plus régulièrement les points et tracés totalement irrationnels de la modulation. En effet, il ne faut pas hésiter à faire monter la modulation de 50 unités sur un espace de 1 centimètre sur l'écran si une attaque ne convient pas, et de même, à la descendre avec autant de brutalité pour éviter les excédents post-legato !
Cassez la grille ! Il s'agit là de vraiment donner une dimension d’exécution humaine à votre morceau, la grille n'est pas là pour que vous là suiviez au millimètre, elle n'est qu'un repère ! Les attaques de violons viennent avant l'orchestre, quelques millisecondes certes, mais c'est efficace, mettez-y aussi des retards non réguliers, surtout sur les percussions.


(Tout cela dépendra, malgré tout, toujours de votre oreille, de votre inspiration et de votre bonne ou mauvaise intuition mais aussi du temps travail que vous avez consacré à la musique, de tout ce qui fait vos qualités de compositeur. Il n'y a pas non plus de recette miracle) 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par Laure

Cool!!!! Merci John!!! Ton post tombe à point nommé pour moi qui m'enlise dans les choses les plus basiques pour vous, ce qui est courant chez tout débutant, je suppose... De plus, peu de tutos sont consacrés à la musique symphonique... Donc merci merci, je prends aussi :-) 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par John Thomas

Je t'en prie Laure, c'est avec plaisir, d'autant plus que ça m'a pris une petite heure et ça me fais gagner du temps car je redirigerai les questions faites en privé sur cet "article". :-) 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par YuHirà

Bonsoir John,

Je n'ai pas grand chose à dire sur l'article. il y a des conseils de bon sens mais - et j'en suis désolé - j'ai quand même une petite réserve sur cette recommandation en particulier.
Lorsque vous créez un accord, une ou deux notes maximum sont nécessaires pour les basses, les deux notes doivent être espacées d'une quinte (par exemple : 3 touches blanches libres entre les deux notes sur votre clavier).
Peut-être ai-je mal compris, peut-être voulais-tu écrire "espacées d'au moins une quinte".

Mais la logique acoustique voudrait qu'en premier lieu, à l'état fondamental, on favorise l'octave PUIS la quinte (voire la tierce) plutôt que la quinte directement. Bien entendu, il est possible de commencer par la quinte directement si on est dans le médium, mais lorsqu'on est dans un registre particulièrement grave, à moins d'un effet particulier, c'est quand même plus risqué, surtout en live où il n'a absolument aucune possibilité d'égalisation (si l'on veut être réaliste :-D ). Autrement dit, si l'on devait hiérarchiser, il faudrait d'abord envisager l'octave (qui fonctionne à tous les coups), puis si ce n'est pas souhaitable ou tout simplement possible pour des raisons de place, n'envisager la quinte qu'en second lieu. Je parle évidemment uniquement du premier étage de l'accord. Après, c'est open bar!!! :-D

Cette "règle" est appliquée de manière intuitive par tous les compositeurs du passé, notamment Bach (c'est d'ailleurs certainement pour cela que les compositeurs ont longtemps pratiqué de manière systématique la doublure à l'octave de la contrebasse par le violoncelle) parce qu'elle découle tout simplement de l'ordre des harmoniques et donc d'une logique purement acoustique.

En passant, certains théoriciens modernes ont en déduit les Low Interval Limits, qui indiquent par exemple qu'en dessous d'une certaine limite l'accord de quinte sonne très mal. Une charte qui fonctionne quelque soit l'instrument au demeurant.

Pour les renversements, c'est un peu moins évident car en théorie on ne doit pas doubler la sixte, la septième, la neuvième etc... Mais si on laisse plus d'une octave entre la basse et la partie immédiatement au dessus, on est sûr à 100% que cela sonnera.

Bien entendu, ce n'est pas une règle absolue, ce n'est même pas une règle, juste une hiérarchie indicative. Tout dépend du contexte, Bach utilise aussi la quinte au ténor, mais lorsque c'est le cas, c'est souvent dans la partie haute de la clef de fa. Les Low Interval Limits n'ont pas également de valeur absolue dans la mesure où les instruments peuvent corriger légèrement et temporairement le tempérament pour que l'accord sonne (le lien mène à un topic où je rapportais une anecdote à ce sujet). Mais cela n'est envisageable a priori qu'en live et en musique de chambre.

NB: on écrit plutôt 'panning' que 'paning', mais bon c'est un détail :-D 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par John Thomas

Bonsoir YuHira !
Tu as raisons, j'aurais peut-être dû être plus précis sur ce point mais après on s'enfonce dans des choses plus complexes et cet article se veut plutôt accessible, je veux dire que dans l'expérimentation on sent bien si ça sonne ou pas. En revanche si je n'ai pas parler de l'octave c'est que... ça me paraît tellement évident... C'est une question de choix, pas besoin de connaissance pour constater que l'octave ben c'est l'octave quoi... (lol) mais si j'ai choisi de recommander la quinte c'est parce-que dans bien des contextes (surtout en majeur) elle donne une puissance à l'accord assez particulière, bien sure c'est moins évident à harmoniser, surtout en mineur, quoique...

De toute évidence, et comme tu l'a précisé, la quinte à ses limites, plus on descend dans les graves, plus on s'en approche. C'est vrai qu'il faut donc appliquer cela sur une basse qui reste toutefois basse-médium. En revanche je ne suis pas d'accord avec la suite de ton propos qui veut qu'après ce soit "open bar", il y a des règles harmoniques et si l'on souhaite obtenir un accord d'une parfaite rondeur/harmonie les instruments qui suivent, bien qu'étant médiums et aigus, ne doivent pas être des pâtées d'accords jetées comme ça sur la grille, l'instrument choisi pour la tonique sera choisi selon le contexte, le style et les autres interviendront selon la puissance du moment, la subtilité que je voulais faire transparaître dans cet article se situe là donc s'il te plaît... pas d'"open bar" ! (lol)

Oui, d'autant plus que les basses des instruments virtuels sonnent souvent terriblement faux dans les basses-basses, donc dans ce contexte se situer au dessus de l'octave peut effectivement éviter des problèmes.

Bon là tu chipotes pour pas grand chose hein ! Mais je l'écrirai comme il faut la prochaine fois, promis ! ;-) 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par modiel

Pusiqu'on parle de comment construire un accord, je me permet de relayer cet article écrit par Anze Rozman qui est un orchestrateur réputé. Le point 2 explique bien "les bases" de la construction d'un accord.. C'est en anglais mais ça peut toujours servir et être un bon complément à ce que vous avez dit : http://evenant.com/articles/3-beginner- ... N-mistakes 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par John Thomas

C'est bien de vouloir contribuer à cet article modiel mais tu devrais mettre des liens en français car tous les lecteurs ne sont pas nécessairement anglophones et google traduit assez mal dès qu'il s'agit de subtilités de langage. Mais la section 2 est effectivement complémentaire et d'autant plus intéressante qu'elle propose des exemples sonores. 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par modiel

J'aurais bien voulu mettre le même lien en français.. Mais malheureusement je n'ai trouvé nulle part d'explications du même genre en français sans aller piocher dans un traité d'orchestration qui pour le coup n'est pas nécessairement facilement compréhensible pour un débutant.. Du coup entre ne rien poster ou pouvoir aider un peu même si ça ne peut pas aider tout le monde je préfère poster quand même :) 
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Modifié en dernier par modiel le 19/10/2016 22:46:59, modifié 1 fois.
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par John Thomas

La partie "1" de ton article corrobore parfaitement ce que j'expliquais dans le premier paragraphe ligne 7 et 8, elle est donc toute aussi intéressante que la seconde et ça renforcera ce principe important dans l'esprit des compositeurs amateurs de musique classique qui liront cet article, votre orchestre n'est pas un piano !

Partages toujours, on verra bien, peut être que certains y trouveront leur compte. 
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    Re: 5 Clés pour le classique virtuel

Message  { par zesto

Tout ça est passionnant
Et avec quoi finalise tu tes compos @ John ?
Avec les produits Cubase ?
Ozone ? 
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